Eva es autora y creadora afrocubana, académica independiente interdisciplinaria, una mujer orquesta. Su compromiso sostenido por documentar las voces de creadores emigrantes, afrodescendientes y voces femeninas la llevó a crear el blog Cubanidadinbetween y dos podcast bilingües, “Miami Alternativo” y “Word Culture/Cultura de la Palabra”. Ha producido conciertos y colaborado con instituciones culturales locales en EU, promoviendo música cubana.
Para ella la fusión, esa cualidad de los ritmos cubanos de imbricarse con casi cualquier otro, es lo que ha hecho que la música cubana trascienda fronteras geográficas e ideológicas.
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Meet Dr. Eva Silot Bravo: Arts-Education Consultant and Entrepreneur
We had the good fortune of connecting with Dr. Eva Silot Bravo and we’ve shared our conversation below.
Hi Dr. Eva, what was your thought process behind starting your own business?
Initially, it was a reaction to an unsuccessful 5 year long experience, trying to get hired in the humanities academic market in North America. After 10 years of graduate studies, I needed to find practical and monetary value to that long period of learning and academic training, first at Florida International University and then at the University of Miami. After that, I became a multidisciplinary scholar in International Studies, Cuban Studies, Cultural Studies, Spanish and Latin-American Literatures, with 3 book projects, and several articles to be published or in the process of being written. However, apparently my education and professional background were working against me in the job market. Later on, I realized that my ethnic, cultural, gender and racial background were also factoring my particular experience in the local job market search. Therefore, I decided that creating a company was my only way to provide a platform to my voice, ongoing research, written endeavors, networking, promoting and curating efforts. I also felt the need to find ways to provide service for communities of people in need, by learning about business and exploring further my creative capacities.
When I started thinking seriously about putting together a company, I locked up in my apartment for almost 2 months. I devoted myself to letting my thinking process completely flow out of my body into my writing. I realized I was providing structure, organization and an outlet to the multidisciplinary skills I have acquired throughout the different hats I have worn in my professional and personal life. I didn’t have any support but my own universe and ideas, and a strong desire to move forward and to create a legacy for myself and my son, no matter the challenges. After living and working in the arts in Miami for a while, I gained perspective on certain traditions or ways of doing things I came across, that were kind of outdated and counterproductive. These traditions shaped local culture in particular ways, by creating complacent environments of exclusivity, lack of access, and few spaces for open dialogue, interaction and reflection on relevant common topics among local communities, with few exceptions.
For example, the poor quality of Spanish media and the absence of diversity within Spanish media outlets. The scarcity of art conservatories and arts education programs, booking agencies or art presenters that focus on helping promote or support the development of the uniqueness and diverse local and international talents that call Miami home. The existence of certain divisiveness within the Cuban enclave in terms of class, politics, moment of arrival and generations, and in the relationships between Cubans and other local communities. That creates a lot of prejudices, distances, and makes a lot of artists invisible to institutions.
The lack of systematic documentation, including in the island, on the cultural legacy being produced by Cuban artists in diaspora and across the globe, especially since the turn of the 20th century. That applies especially to the case of Afrocuban and female voices.
More than adopting a critical stand about these challenges I perceived, I wanted instead to act upon or contribute in some way, through putting forward my projects, create an arts education program, and by promoting mutually beneficial collaboration projects.
Also opening the company was the result of a process of awakening and awareness I have experienced since leaving Cuba, about the importance of my African ancestry in my life and professional paths, something that until then I haven’t had the chance nor the proper context to explore about in depth. The above, together with my academic training, led to me to further my path of inquiry on these questions.
Publishing, creating and teaching courses that touch upon or develop further these topics, created in me the need to continue doing a similar educational work outside academia. Another big motivation was the lack of enough local artistic or educational spaces that promote collaboration with or knowledge about local Afro-descendents and migrant communities of knowledge, artistic, entertainment and social justice, as equals. In addition, there’s a lack of systemic conversations about the Caribbean dimension of Miami and what that means for the city’s culture, social life and economy, which host an important number of Afro Caribbean communities.
In this light, I realized I wanted Alafia Creative Entertainment to become a platform for the promotion of education, awareness, events and projects, and for the promotion of Afro descendent and female voices, in particular from AfroCuban, AFroLatin@s, AfroCaribbean and AfroHispanic cultural legacies and communities, which are the less visible and represented across the board. These were among the main motivations that led to the creation of Alafia Creative Entertainment.
Since the important shifts that are taking place after Covid 19, I have focused in my writing endeavors, creating and teaching a fun Spanish Immersion class online for all levels, and in launching two bilingual online podcasts: Miami Alternativo and Word Culture-Cultura de la Palabra, as part of my entrepreneurial endeavors.
With these collaborative projects, I’m keeping the momentum going, documenting the work and legacy of different voices of local and transnational creatives. I’m also extending a platform for creatives to promote their work. Last but not least, I’m promoting conversations to help think about how the challenges we are currently living collectively are impacting and reshaping our creativity, the arts and entertainment industries. I’m also interested in exploring creative ideas on how to move forward in times of crisis, as we are experiencing nowadays.
Alright, so let’s move onto what keeps you busy professionally? What sets you apart from others? What sets me apart in my creative endeavors I think is my need to communicate, interact and learn from everything I experience. Lately, I’m kind of obsessed by looking for the educational component of everything I do.
Particularly I want to contribute to the path against all forms of intolerance that set human beings and cultural communities apart from each other. Instead my brand focuses on exploring and promoting communication on our commonalities. I also would like to promote spaces of encounter and celebration of our human condition.
In my entrepreneurial adventures I strive for greatness, ethics in all kinds of human relationships, and I put a lot of passion and my personal stamp in everything I do. What I want the world to know about my brand is that Alafia Creative Entertainment is here to stay, to make a difference in the local arts, music, educational and entertainment scenes, by making connections, creating access and promoting possibilities. I’m doing everything I can to make my vision happen. It has not been an easy path. Precisely for all that I have learned in my personal road so far, I’m very optimistic and ready to do whatever it takes to move it to the next level. I’m motivated by my need, personal and spiritual mission to contribute, add value and be in service.
If you had a friend visiting you, what are some of the local spots you’d want to take them around to?
Well, currently we are living in pandemic times, which changes everything. In any case, I ‘d take them to a street walk by Wynwood. There, we will hang out keeping social distancing norms, while contemplating topnotch street art and murals in every corner. To eat, I would take them to Love Life Cafe, where they serve imaginative and delicious vegan food. For drinks, I would take them to one of Wynwood’s breweries, like Veza Sur, where you can find a nice selection of local beers.
Who else deserves some credit and recognition?
Many people, readings and experiences have contributed to where I’m today and to my vision. Among them, coming from a biracial family that was really instrumental instilling a love for education at an early age, as the main motivation to move forward in life. The first books I read from Jules Verne, Mark Twain, Emilio Salgari, Alejandro Dumas and Robert Louis Stevenson, at a moment where traveling outside the island was not possible, opened up my imagination to the notion of different life paths, my curiosity for and desire to travel the world. Also, my experience as a former diplomat in the United Nations, and living between New York and Havana for the most part of my twenties, made a fundamental mark on my identity as a global citizen. Specially I learned so much about human nature and politics, interacting regularly with colleagues from all over the world, in never ending and very stressful negotiations about all UN programs and its biannual billions budget, elaborating and delivering statements, position papers, resolutions and decisions of all kinds, contributing to advancing the international UN agenda on decisions and resolutions on topics ranging from managerial reform, human rights, financial issues, sustainable development, economic questions, gender equality, refugee crisis and all forms of intolerance, among many others. That global vision completed for me when I became a migrant and faced different sorts of challenges, later on in Miami.
Different people throughout my life have been important sources of inspiration, especially strong female voices. Many names come to mind from people I have met, close friends and authors. But if I had to choose one of my main life influences, I would say my great aunt Dr. Gladys Pichs Paret, a former Chemistry University Professor and Lab Manager, who is currently suffering a long Alzheimer illness back in Cuba. Tia Gladys is like a mother figure for everybody in my family. She was also a generous and unconditional loving person for everybody that met her.
"helvetica" , "arial" , sans-serif;"> Roman Diaz, Descemer BuenoLeslie CartayaPhilbert ArmenterosSonlokosSteve RoitsteinRaymer OlaldeEd Calle, etc. I had the pleasure to be interviewed in this film about my academic research on Cuban music and these musicians. There will be a free screening at Actor's Playhouse Miracle Theater, Coral Gables, this comingThursday, October 13, 7:00 pm.
The film premiered recently in Providence, RI as part of the Providence Latin American Film Festival (PLAFF) and in Miami October 13th. Ivy League Rumba is being broadcast nationally in early October by PBS stations across the country as part of Hispanic Heritage month.
In the last 15 years, Miami residents have witnessed the city’s steady transformation into an international urban hub with the customary arrival of communities from all over. Together with the controversial impact of large-scale real state ventures that prompted that expansion, there’s been a significant shift in the diversity, frequency and depth of the cultural options available to Miamians in any given season, which is still often overlooked. An important part of Miami’s cultural options has been spawned by the local non-profit sector, in organizations such as FUNDarte, a pioneer in creating multicultural spaces to present top-notch international and local talent on a regular basis.
The upcoming 2016 Zun Zún Children Fest opening Saturday, Oct. 1, presented by FUNDarte, is an example. The line-up and performances were chosen to promote the production of art for children. That is the case of multi Grammy nominee, singer/songwriter and author Rita Rosa Ruesga, who will perform with composer, singer and author Robbi Kumalo and New York-based musician and world music performer Luchy Kalanraty. The festival also features the New York theater company Teatro SEA/Society of Educational Arts.
SEA is a bilingual institution committed to providing a combination of arts-in-educational theater and workshops for Latin communities for more than 20 years. Says Manuel Morán, the company’s CEO, “It has always been important that children who came from Latin America, like those who were born here, know about their culture."
For the Zun Zún Fest, SEA is presenting the inspirational musical “My SuperHero: Roberto Clemente,” a play written and directed by Morán about a boy named Bobby who shows up to school, on a “superhero day,” dressed up as legendary Puerto Rican baseball player and humanitarian Roberto Clemente. Clemente died on one of his trips to Nicaragua in 1972, on his way to help survivors after the impact of an earthquake. For Morán, “this type of personality passes very often under the table without any or no recognition.” His choice to adapt Clemente’s story was largely motivated to “teach children that Latin-American countries and Latin communities have important people, ‘living legends’ that inspire the human heart beyond fiction.” By doing that, the piece attempts to redefine mainstream stereotypes about superheroes and instill in children self-respect and confidence.
“Superheroes do not always have supernatural powers,” says Morán. “Our main purpose is that children feel proud of their roots and we want to make them conscious that they also have the tools to be superheroes.”
With a similar focus on educating children on the richness of Latin and Latin-American cultures, the other acts presented by Zun Zún Fest this year encompasses music, theater, poetry reading, puppet shows and audiovisuals. In the case of Ruesga’s music performance, she dialogues with Afro-Caribbean references. Reflecting on what audiences can expect from her upcoming performance, Ruesga says: “I love to integrate different percussion instruments to my musical arrangements because the rhythm patterns are very well received by children, as well as the visual image of those folk instruments. Adding those rhythms and musical instruments to my songs for children is the best way I have to pass them on to future generations.”
FUNDarte presents Zun Zún Fest, in partnership with Zunzún Arts and Education and the Miami-Dade County Auditorium, opening Saturday, Oct. 1, 2:00-5:00 p.m., at the Miami-Dade County Auditorium, 2901 W. Flagler St., Miami; Tickets $20 Adults, $5 Children under 14. www.ticketmaster.com; 305 547 5414, 786 348 0789.
The festival’s educational activities include a Colloquium on music and literature for children on September 28, 9:00 a.m.-noon, at Centro Cultural Español; and a music and theater performance for K-5 students on Sept. 30, 10:00 a.m.-noon at Miami-Dade County Auditorium, Mid Stage.
In her first visit to Miami, Cuban singer Danay Suárez made her club debut at the Blackbird Ordinary (formerly Transit Lounge) to a sold-out room. In this concert, the audience was moved by her songs, and it hummed and applauded with visible enthusiasm. Danay has shared the stage with urban artists in Miami and in other states like California. In Black Bird, Danay provided an overview of the discs she has recorded as a soloist so far: Polvo de la Humedad ( 2007 ), which moves between urban and underground; Danay Suarez Havana Cultura Session (2008 ), more fused with traditional Cuban music and jazz, and Palabra Manuales, a CD on which she is working and that in her opinion reflects the full range of musical references she has cultivated so far. Danay recently had a cameo in the first Cuba Un-Wave festival at the Olympia Theater in Downtown, in which she deployed her special flow between hip-hop and jazz.
Danay studied computer science in Cuba, but she was interested in approaching musc professionally at the Instituto Superior de Arte in Cuba. However, she this unsuccessful because they told her that she "tended a lot towards the popular", which is especially ironic in an island that is known perhaps most of all for the power of its music and popular culture. So, she decided to be self-taught. She worked in a place known as the Opera de la Calle, which accepted her vocation for lyric singing. At the same time, she was recording her first underground tracks in Estudios Real 70, a small Havana room that produced much of the early Cuban hip-hop of the late twentieth century, and she became a regular in the alternative scene in places like the Anfiteatro del rio Almendares y La Madriguera.
Her music has spread via several Youtube videos made by filmakers of the island which have won awards in art competitions such as Puños Arriba, Cuerda Viva and the Lucas Prize. The production and curatorship of the Havana Cultura project - and in paricular of the DJ and Producer Gilles Peterson - have catapulted her internationally, taking her to participate in several festivals in Europe and in emblematic clubs such as Ronnie Scott's Jazz Cafe in London as well as BBC Radio 1's Annual Awards. In addition to the talent and serenity she projects in her music, Danay has had the experience of working with musicians such as Equis Algonso, Roberto Fonseca and Robertico Carcasses, which obviously contributed to her maturity as an artist. She received rave reviews, especially amazing reviews in France, which refer to the effects that her music can provoke in audiences that go beyond even what she could imagine when she is creating. Within the world of Cuban Hip-hop, Danay is distinguised by the reflexivity of her lyrics as well as the flow of her wide-register voice which risks complicated harmonic improvisations with touches of scat and hip-hop, and above because her music resists being pigeonholed in generic categories. She identifies with the lyrical force and beats of Rap and Hip-Hop, which have have provided space to learn and find herself, at the same time loving and cultivating traditional Cuban music, Reggae, Classical, Fusion and jazz. In her performing and improvising, you can perceive influences from singers like Erykah Badu, Lauryn Hill and Jill Scott. However, Danay evades such comparisons and instead repeats a phrase that I think illustrates her musica being: "Instead of focusing on a genre as such, I try to understand the strength and energy of the music.".
More information about Danay Suárez can be found on Facebook, Youtube, Twitter, Instagram and Soundcloud.
Article published by the music online magazine Timba.com
Photos by Alexia Fidere courtesy Eva Silot Bravo.
Sheltered under an I-95 North bridge, and in a space in which the Little Havana neighborhood is turning into Brickell, or vice versa, one finds the Performing Art Exchange. In just two years, PAX has become one of the key sites in Miami for lovers of live music. Like few places in the city, PAX provides a space for the best bands of the local urban music scene while exposing local audiences to musical creations from around the world, with a particular emphasis on Latin America.
The premise of Roxana Scalia of Miami, the Cuban-Italian owner of the site, in opening PAX, was to provide a space to local and underground art to those who are committed to their craft despite the vicissitudes of the market. PAX is a place that is necessary given the lack of venues that welcome such talent living in the city. Roxana had been looking earlier in neighborhoods like Wynwood and Miami Beach but thinks that somehow the place in South Miami chose her. She liked her location in the old Miami, an area where she lived for a long time.
One of the most important concerts that have taken place in PAX was the Sergent Garcia concert last May. Garcia is literally a world citizen an alternative Latin fusion pioneer in the World Music scene. Garcia himself calls his sound "Salsamuffin", in which genres of the Caribbean sound universe like Reggae, TImba, Afrocuban and Colombian Salsa is "transcultured"with Hip Hop, Funk, Punk Rock and Alternative.
PAX has a weekly program allowing audiences to familiarize themselve with all kinds of music. Fridays are usually dedicated to Afro-Cuban music, Saturdays to World Fusion, the last Thursday of the month is for Samba with the talented Brazilian singer Rose Max, Tuesdays for Electro-Tango, the second Thursday of the month for Afro Funk, and Mondays are for jam sessions, which for some time have included special guest Brian Lynch, an established trumpeter in the world of Jazz and a GRAMMY® Award winner.
Once inside, PAX is spacious and relaxed with subdued lighting, sofas, lamps, chandeliers and vintage furniture that makes an attractive, eclectic set. The curtains are not only decorative but help acoustics, something appreciated when compared to other music venues in the city. The surprising display of good art on all their walls also speaks to the intention to make this a special place which for some brings together the Latin Hipster scene on the city. The bar is spacious with affordable prices, especially for beers. The cover is regularly $10.00 USD, and that seems rational for the quality of music that it offers. The service is professional, and PAX has free parking.
Few know that Miami has also been "cooking" a local alternative sound with a cosmopolitan orientation for some time that some call Afro-Punk, Afro-Funk, Miami Funk or Miami Rhythm and Blues. Right now, this urban music phenomenon is eclipsed at PAX with the presentations and exchanges by theSPAM All Stars, Suénalo, Elastic Bond, Afrobeta, ArtOfficial, Deaf Poets, Mr. Haka, Palo!, Bofill, Tommy Cross and the Cuban All Stars, Progress and Los Herederos among others, with local DJs and band from Venezuela, Colombia, Peru and Mexico.
You can find PAX at 337 S.W. 8th St., Miami FL 33130 (under the I-95 bridge to the left). For more information, visit http://paxmiami.com
Entre los recién nominados a la decimocuarta entrega de los premios Grammys Latinos en la categoría de Mejor Nuevo Artista, se encuentra la cantante cubana radicada en Miami Leslie Cartaya, con su primer álbum No Pares. La ceremonia de los Grammys Latinos de este año tendrá lugar en las Vegas el 21 de noviembre próximo.
Aunque quizás Leslie sea aún desconocida para algunas audiencias, este anuncio no toma por sorpresa a los seguidores de la música urbana y la escena cubana alternativa en Miami, espacios en los que Leslie viene progresivamente abriéndose camino firme desde hace algún tiempo.
Esta nominación evidencia el interés creciente que viene manifestando la academia de los Grammys de reconocer la diversidad de talentos en la escena de músicos latinos emergentes más allá de los circuitos más comerciales, como ha sido el caso con los cantautores Elain Morales, Alex Cuba, Descemer Bueno, y Lena Burke, entre otros.
Desde que se estableció en Miami en el año 2000, Leslie Cartaya no vaciló en seguir el camino de la música que comenzó desde pequeña y que la llevó a entrenar su voz académicamente en la Escuela Nacional de Arte (ENA), en Cuba, por varios años.
En la última década Leslie ha sido la cantante principal de la banda Palo!, imprimiéndole su sello personal al estilo “Afrocuban Funk” de dicho grupo, considerado como “La Música Cubana de la Nueva Generación” por publicaciones como The New York Post.
Leslie también ha trabajado con artistas como Luis Enrique, Marisela Verena Larry Harlow, Ed Calle, Steve Roitstein, Jorge Luis Piloto, Elain, El Chino Dreadlion, Pavel Núñez y la banda Cubiche, entre otros.
Recientemente lanzó su primer disco como solista y compositora, No Pares, en el teatro Miami Dade County Auditórium presentada por FUNDarte. En poco tiempo el álbum ha pasado a estar entre los diez primeros lugares de los Miami Latin Chart de ReverbNation, y recién la ha adentrado en el camino de los Grammys Latinos como mencionamos anteriormente.
Leslie comenzó a escribir las canciones de este álbum desde hace cinco años, a partir de la necesidad que tenía de grabar todo el trabajo que ha venido haciendo como solista.
El resultado ha sido No Pares, un álbum doble con 18 canciones en el que colaboran un grupo de excelentes músicos en su mayor parte cubanos residentes en Miami: el bajista y productor Edgar Magdariaga, el percusionista y productor musical Raymer Olalde, los arreglistas Héctor Ortiz, Landy Mosqueda y Angel Arce, el trombonista William Paredes, el saxofonista Rodolfo “Fofi”, el bajista Armando Gola, el pianista Michelle Fragoso, el saxofonista Ed Calle y el percusionista Reinier Guerra, entre otros.
En el primer CD del álbum predominan elementos de música cubana más tradicionales y de salsa balada. El segundo es de sonoridad más electrónica (house) y experimental, y presenta varios remix del primer CD con la participación de invitados especiales como DJ Oscar G. y Lázaro Casanova, el percusionista, cantante y bailarin Philbert Armenteros, el rapero Mr. Haka y el presentador y comediante Alexis Valdés.
Algunos temas cuentan con dos versiones, “…tanto para llegarle a los que aprecian la música tradicional como a los que disfrutan las fusiones más modernas”, nos comenta Leslie.
No Pares permite apreciar la gran versatilidad de Leslie Cartaya como cantante y compositora. Representa su lenguaje musical, en el que confluye una mezcla de la tradición cubana y tropical con ritmos, estilos e influencias de la música americana como el funk, el hip-hop, el house y el jazz.
Para Cartaya “…este tipo de trabajo no es música cubana estrictamente sino más bien “música cubanoamericana”. En canciones como “Abrázame”, “La mejor de mis locuras” y el changüí “La Candela”, Leslie se desdobla en una sólida sonera y cantante de salsa. El timbre de su voz en ocasiones recuerda a la sonoridad de La India, una de las divas de la salsa neoyorquina. “Bolero Blues” y “Abrázame” nos adentran en la faceta de Leslie como baladista.
Leslie es la autora de la mayoría de sus canciones y además se acompaña al piano, y asombra con su amplio registro de voz, su perfecta afinación y su versatilidad como intérprete. “Si yo pudiera” une la dulzura de su voz con la cadencia rítmica y vocal del rumbero Armenteros, manifestándose en un sublime guaguancó.
Del segundo CD resalta la versión en ingles de la canción “No Pares”, el flow rapeado de Mr. Haka, así como los remix de Oscar G. El álbum tiene un cuidadoso trabajo de arreglos y coros, y es de una gran prestancia en los solos instrumentales, como los del violinista Yoel Pérez y el guitarrista Ahmed Barroso.
Con No Pares, Leslie Cartaya se confirma entre las protagonistas del sonido urbano latino alternativo en Miami.
En estos momentos Leslie y su equipo están enfrascados en la promoción del album No Pares, que hasta el momento la ha llevado a cadenas televisivas como la CNN en español, el Tele-Maratón de La Liga Contra el Cáncer en Telemundo, el Raw Artist Miami, y varios programas de televisoras locales como la Mega y América TV. Además se encuentra en el proceso de edición de un DVD del concierto de lanzamiento del disco en vivo.
En las redes sociales Leslie ha lanzado hasta el momento dos videos correspondientes a dos de lossingles de su disco: No Pares y el de Abrázame.
El CD No Pares puede obtenerse en iTunes, CDBaby, Amazon y en tiendas locales de Miami. Para mayor información visite http://www.lesliecartaya.com/.
Entrevista a Equis Alfonso por Eva Silot en cubaencuentro
Aún preservo la imagen de Equis como aquel niño travieso e inquieto que me encontraba “mataperreando” en cualquier rincón del conservatorio Manuel Saumell en la Habana de los 80, en donde estudiábamos música y piano clásico. Quizás esa inquietud y energía interminables volcadas en su arte lo han llevado a convertirse en uno de los músicos más importantes de la Escena Alternativa de Música Cubana de los últimos 20 años. Luego de sus estudios de música clásica, Equis Alfonso comenzó su carrera profesional en el grupo Síntesis desde 1994, banda insigne que estableció un sello particular de fusión de la canción cubana proveniente de la Trova Tradicional y la Nueva Trova, con otros géneros musicales como el rock anglo y argentino, el punk, pop y funk. Síntesis además hizo una labor inédita de recuperación y fusión de varios cantos yoruba del panteón sonoro y rítmico de la música afrocubana, y estuvieron entre los pioneros en la incorporación de recursos del universo electrónico y electroacústico en la música popular cubana.
Equis es ciertamente un artista multifacético y en constante crecimiento. No solamente es compositor, productor musical, intérprete de varios instrumentos y cantante, sino que además produce y dirige sus propios videos, compone música para cine (películas como María Antonia, de Sergio Giral y Habana Blues, de Benito Zambrano), para diversas compañías de danza y colabora en otras producciones musicales regularmente. Su producción discográfica es fascinante y prolífera, un paseo sensorial en donde prevalece el experimento y la fusión bien meditados que te dejan con sabor de más. Solamente como solista Equis ha hecho seis discos: Mundo real (2000), X Moré (2001), Delirium tremens (2002), Civilización (2005), Revoluxion (2007) y Reverse (2011) que le han valido premios tanto en certámenes de la Isla de música y video como Cubadisco y Premios Lucas; en el Festival Internacional de Cine Latinoamericano de la Habana; así como en el español Premio Goya por la banda sonora de la película Habana Blues; y varias nominaciones a los Grammy latinos en diversas categorías, entre otros.
Definitivamente Equis no es un mero espectador de su entorno. Él es también un activo promotor de diversos proyectos culturales, por lo que fue nombrado Embajador de Buena Voluntad de la UNICEF en el 2010. Entre esos proyectos Equis ha estado a cargo de “Fábrica de Arte”, un espacio de encuentro para el intercambio entre artistas jóvenes en varias disciplinas. Fue además el director artístico de la 1ra edición del festival “Peace & Love” en Cuba y también del proyecto “Escuela contra Huracanes” junto a artistas franceses, para ayudar en la reconstrucción de escuelas luego del azote de huracanes en la Isla. En sus conciertos se aprecia un impecable trabajo de puesta en escena —no muy usual en el entorno musical alternativo cubano— que explota al máximo las posibilidades del universo de recursos de producción tanto en el sonido, las luces, uso de audiovisuales, coreografías, selección de músicos e instrumentos, maquillaje y vestuario en función de su música.
Conversé con Equis recientemente en Miami, en medio de su gira de promoción para la presentación de su nuevo disco Reverse en el Miami Dade County Auditorium el próximo 17 de noviembre del 2012. (En el link Somos Cuba se puede obtener información detallada sobre el concierto, y bajar gratis un multimedia de Equis Alfonso con sus mas recientes videos, música y fotos).
¿Qué aprendiste de tu experiencia en Síntesis? ¿Cuál fue tu contribución a dicha banda?
Equis Alfonso (EA): Síntesis es mi segunda escuela después de la clásica. No solo por la parte musical sino también porque me permitió investigar la inmensa riqueza de la música afrocubana, e inclusive ayudarme a entender de dónde vengo. En Síntesis tuve la oportunidad de traducir la música afrocubana a la electrónica, sustituir los toques por notas y descifrar sus códigos infinitos. Y no solo eso. Tuve que aprender a tocar percusión y otros instrumentos más allá del piano y la oportunidad de hacer colaboraciones y arreglos para canciones con músicos como Silvio Rodríguez. También todo el universo sonoro del rock me lo inculcaron allí. Entré en Síntesis en una época de mi vida en que me quería "comer el mundo", me pedían que hiciera arreglos para tres o cuatro canciones, me metí en serio en eso y comencé a ensayar, a investigar, e hice versiones de varios temas. Yo escuchaba el primer disco Ancestros de Síntesis como si fuera Queens, me lo sabía de memoria. Un día Lucía Huergo (arreglista, saxofonista y tecladista de Síntesis) no pudo ir a tocar y yo aún con el uniforme de la escuela puesto la sustituí y toqué todo un concierto. Yo soy fanático a Síntesis, no porque sean mis padres solamente, sino porque admiro y me gusta la música que hacen. Ya para el disco Ancestros II hice varios arreglos, aunque el trabajo de composición en Síntesis era de conjunto y todos los músicos aportaban, lo que enriquecía mucho los temas. Cuando empecé a hacer mi música en solitario me di cuenta cuanto me había nutrido de mi trabajo en Síntesis.
¿Cuál es tu motivación para desarrollar todas esas diversas facetas de tu proceso creativo como músico, productor y filmmaker ? ¿Cómo se produce tu proceso de creación?
EA: Ese interés por mezclar las artes empezó cuando entré a la Escuela Nacional de Arte. En una misma aula coincidíamos estudiantes de artes plásticas, danza, música y teatro. La posibilidad de poder compartir con otras artes en la adolescencia hizo esa etapa la más importante de mi carrera. Aprendí mucho de esa interacción que influyó en mi forma de componer y de estudiar la propia música al alimentarme de distintas fuentes. Cuando estudiaba música clásica en las escuelas de arte la música popular cubana estaba prácticamente prohibida. Recuerdo a músicos como la pianista Viviana Pintado que se sabían unas timbas tremendas pero que teníamos que tocar y escuchar a escondidas. En la ENA comencé a intercambiar con músicos como Robertico Carcassés, Ahmed Barroso, y Descemer Bueno, entre otros.
Esto que hago para mí no es trabajo, es una necesidad de expresarme. Yo no estoy en disqueras, no estoy contratado por nadie. Mis discos básicamente los he hecho independientemente. Solo los dos primeros estuvieron asociados con la disquera de Ivan Lyns y contaron con el apoyo de su escritor Víctor Martín. Sin embargo en esa situación yo tenía libertad absoluta de hacer lo que quisiera. Siempre he hecho lo que he necesitado hacer. Nunca he considerado esto un trabajo sino una necesidad espiritual de expresarme.
Háblame de tu discografía. ¿Cómo has llegado a cada uno de tus discos y que representan para ti? ¿Cuáles son tus influencias? ¿Qué te interesa transmitir a través de ellos?
EA: Mi primer disco, Mundo Real, lo hice viviendo en España. Tiene un toque nostálgico que me gusta y la intención del músico que empieza un disco en solitario y quiere recoger un poco de todos los géneros y buscar su estilo. Los textos de ese disco más bien son melancólicos. El segundo fue un homenaje a Benny Moré. Estando en España hice también música para una compañía que tenia Pepe Hevia en donde bailaba mi esposa. En ese momento me regalaron un disco recopilación del Benny. Lo escuché repetidamente, me puse a experimentar con la música del Benny y de ahí salió mi disco homenaje a él. Tenía claro que estaba haciendo una experimentación con la música de este disco sin límites y así es su resultado: con todo tipo de mezclas, fusión, sin ningún estilo que prevaleciera. Lo mismo estaba el hip-hop, el funk, música electrónica y jungle. Luego terminé el disco Delirium para danza y salió al mercado como música sinfónica contemporánea. Cuando terminé la música para esta obra de danza tenía casi una hora y media de grabación. Originalmente no tenía pensado hacer un disco pero cuando se puso en Cuba en el teatro fue mucha gente y también disqueras. BisMusic me propuso hacer la música de esta obra para un disco y a mí me encantó la idea. Luego vino el disco Civilización, que también parte de las mezclas, quizás más entre el funk y la música cubana, pero para mí demasiado acelerado. Lo contrario al disco Revoluxion que sigue siendo fusión entre la música cubana y otras pero más suave. Civilización también fue una necesidad de sacarme todo lo que tenía en ese momento, como un explote de creación. Creo que Revoluxion es un disco más maduro en la mezcla y la fusión. En ese tiempo me propusieron hacer la música de la película Habana Blues. Me empecé a centrar más en los textos, lo que había hecho un poco en Civilización.
El próximo noviembre harás en Miami la presentación de tu último disco, Reverse (2011) del que ya están disponibles excelente videos en redes sociales como Youtube y Facebook. ¿A qué le cantas y qué “poción” musical has usado en este nuevo disco?.
EA: En el momento que me decidí a hacer este nuevo disco estaba un poco saturado de la electrónica y la computación, entonces decidí hacer un álbum que fuera como un regreso, que descansa más en el piano y otros instrumentos y que estuviera más enfocado hacia la canción. Reverse trae esto, otra necesidad, otra faceta. Yo soy muy fan de Santiago Feliú y Carlos Varela que son los cantantes que me tocaron a mí generacionalmente. Tuve la posibilidad de tocar con los dos y para mí fue no solamente un trabajo sino un sueño hecho realidad. Mi música está muy influenciada por ellos. Este disco es totalmente “setentón”, de irme a la guitarra, al piano y los acordes. Estoy más centrado en las letras, y aunque no lo he premeditado así espero que cualquiera pueda agarrar una guitarra y cantar estas nuevas canciones.
El lenguaje audiovisual se ha convertido en un referente esencial en tu obra. En tus videos se aprecia un tratamiento meticuloso, pictórico y coreográfico de elementos narrativos como el sonido, los ritmos, los focos de cámara, las miradas y las letras. ¿Qué significa para ti el video como recurso expresivo?
EA: Siempre he sido un fanático del cine. Cuando empecé a hacer mis canciones me di cuenta de que también quería mostrar imágenes. Tuve intercambios con varios cineastas a los que les explicaba la idea que tenía, lo que quería, pero cuando lo llevaban a la práctica veía una distancia entre lo que tenía en mente y el resultado. En la época que comenzaron los videos clips en Cuba habían muchos clichés. En los videos siempre tenía que haber una muchacha, el mar, pero detrás de eso casi siempre había una historia entre el director y la actriz que se convertía en el tema central. En el primer video que hice cuando estuve en el grupo Habana en 1988 tratamos de dejar a un lado ese cliché. Luego, cuando comencé mis trabajos como solista, retomé el video. Utilizaba una cámara cualquiera y durante dos años estuve filmando y acumulando imágenes en distintos países cuando estaba de gira. De eso hice un video que me llevó tiempo porque tenía una máquina de edición muy mala. Era de 8 minutos y 40 segundos, y los conocedores me lo rechazaron por ser muy largo. Eso me ayudó a simplificar mis ideas, incluso hasta para las canciones trato de decir todo lo que puedo en poco tiempo. El video se ha convertido en algo muy importante para mí. Cuando escribes una letra es como leer un libro, te haces una idea, pero la imagen te cierra exactamente lo que quieres decir. Hay canciones a las que le hago videos y a otras no, para que lleguen de distintas formas a la audiencia.
La ciudad, pero más específicamente la imagen de la calle, su gente, sus gestos y miradas son protagonistas y escenario de buena parte de tu obra tanto musical como fílmica. ¿Cuáles son la Habana y la Cuba de tus canciones y videos?
EA: Las que vivo cada día. Mis canciones son el reflejo de lo que veo en la gente, de lo que siento, lo que vivo, y de lo que comparto con ellos. No la dibujo, la relato tal como la vivo. Yo me meto en los barrios y de ahí es donde sale esa fuerza y pureza, esa fotografía real. Por ejemplo, en aquel video del 2005 de la canción “Santa” tú ves una Habana “bonita”, destruida pero bella. Te puedes meter en un solar y de pronto te encuentras con distintos lugares en los que la gente intenta buscar un sentido de decoración o de belleza a pesar de la destrucción. Eso es en lo que yo me centro. No trabajo con actores sino con gente de la calle, ellos son los protagonistas. Mis videos ya están dejando de ser para mí videos clips, más bien los veo como pedazos de documentales.
Otra cosa que quieras agregar
EA: En los últimos cuatro años he estado más enfocado en el proyecto “Fábrica de Arte”, que intenta aglutinar a todo tipo de artistas. Recientemente se hizo un homenaje a la música británica en el cine Yara, y ahí intente crear esa colaboración entre músicos. Las colaboraciones entre artistas sin fines comerciales, de lucro u otro interés son pocas. Eso es una de las cosas que trato de superar con “Fábrica de Arte”. En este concierto estuvieron varios músicos: David Blanco, Ernesto Blanco, Sexto Sentido y un cantante del Coro Nacional, entre otros. Lo hicimos con mi banda de base y mis padres (Síntesis) y mi hermana Eme, hasta mi hija cantó. Lo que más me gustó del concierto, además de que la gente se divirtió mucho, fue la actitud de agradecimiento de los artistas por haber compartido y colaborado con otros. Espero que pronto me entreguen el lugar para llevar a cabo este proyecto, para concentrarnos en empezar a buscar más artistas y poderles ofrecer un lugar. Cuando se hacen eventos así en el aire es muy difícil poder aglutinar a los artistas de forma más permanente. Creo que hay que documentar el arte que se hace en nuestra generación y este proyecto es una forma de hacer eso. Eso es lo que quiero que en Cuba acaben de entender, porque me ha costado mucho trabajo. Por eso no he parado de hacer eventos y hago eventos donde quiera, pero en verdad me estoy agotando. Ya quiero que esto tenga un fruto, la gente se cansa. “Fábrica de Arte” intenta ser no más que una plataforma a través de la cual se dé a conocer al mundo algo de lo que está pasando en el arte en Cuba ahora.
Yusa es quizás una de las mujeres músicos de vocación profesional más global de la Escena Cubana de Música Alternativa. Su carta de presentación incluye estudios de música clásica en Cuba, además de su dominio del bajo, la guitarra y el tres, entre otros instrumentos. Ha publicado cinco discos de su autoría —el más reciente Libro de cabecera, en tardes de café (2012), Yusa Records— que tienen en común el haber sido grabado entre Europa, La Habana, Japón, Brasil y Argentina. Ha obtenido 3 premios Cubadisco, un Latin Grammy por su participación en el DVD Lenine in Cité, nominaciones a “Mejor guitarrista alternativa” del International Award, Bath, del Reino Unido, ha estado entre los diez primeros lugares del European World Music Chart, y fue nominada al Womex 2002 en dos categorías. Desde el 2005 se presenta en Japón anualmente bajo los auspicios de Blue Note, Yamaha Music & Visuals y Omagatoki, y giró por Europa en el Tour “Latin Voices” de la BBC de Londres junto a Lila Downs y Susana Baca. Además grabó como solista el DVD Yusa live at Ronnie Scott’s.
Yusa comparte su pasión por componer y cantar canciones con un acercamiento lírico, sofisticado a la vez que desenfrenado al tocar el bajo. En escena despliega gran virtuosismo cuando toca cualquier instrumento, a la vez que una naturalidad y sencillez contagiosa cuando canta. De inicio es fácil distinguir la influencia en sus canciones de la trova tradicional cubana y el feeling, así como de la Nueva y Novísima Trova. Pero ello es solo su punto de partida. Además de haber sido una importante heredera de dicha influencia, Yusa es una de las principales protagonistas de la ola de fusión y experimentación que ha tenido la música cubana con todo tipo de géneros musicales —como el jazz, funk, pop, el rock argentino y la música brasileña— en particular en los últimos 20 años. En varias reseñas de prensa que le han hecho a lo largo de su carrera, se destaca cómo la música de Yusa permite al que la escucha adentrarse hacia una visión de la música alternativa cubana que rebasa formas tradicionales de entender las identificaciones genéricas e inclusive geográficas en el mundo sonoro.
Conversamos con Yusa a raíz de la presentación de su quinto CD Libro de cabecera, en tardes de cafécomo solista en Argentina.
¿Como describirías tu camino desde la grabación de tu primer disco como solista Yusa, Tumi Records, en el año 2002?
Yusa (Y): Cada vez que miro hacia atrás me sorprende mucho el destino que tomó mi vida desde que hice mi primer álbum. Partiendo que desde un inicio yo pretendía ser concertista, todo lo que se desató desde el disco Yusa fue una suerte de absurdos maravillosos en el que un día me vi y del que luego no quise salir más. Me atrapó un estado de libertad absoluta en la que trato de mantenerme para poder seguir haciendo mi arte. En todos estos años he compartido y aprendido de tantos artistas, amigos, así como de los obstáculos que se te van apareciendo, pues tus necesidades al mismo tiempo son mayores y yo aspiro a que también sea mayor el resultado de mi esfuerzo y mi entrega. Ante todo este universo de sucesos, encuentros y despedidas solo puedo dar gracias porque en cada etapa de mi carrera ha estado la misma Yusa que necesita hacer música como pretexto imprescindible para vivir. Eso sí, esto es una carrera de fondo, no termina hasta que se acaba la vida.
Actualmente estás presentando tu más reciente CD, Libro de cabecera, en tardes de café (2012), bajo tu sello independiente Yusa Records. ¿Qué ideas inspiran y organizan este disco?
Y: A decir verdad siempre tengo una idea de los discos que hago y muchas veces premedito la infraestructura de los mismos. Esta vez todo esto “se me fue por la borda” ya que había un aspecto que me sobrepasaba y era que la mayoría de estas canciones son la base de mis pensamientos y de lo que es Yusa hoy.
Me reencontré con sentimientos que desde niña no experimentaba, y de hecho me vi compartiendo hoy con esos recuerdos y no pensé que me fueran a llevar tan lejos en el corazón. Es además un disco que escucho para satisfacer mis propias necesidades espirituales. De hecho contiene solo diez canciones pues creo que en los tiempos que corren el disco debe ser algo que te acompañe por un rato, pero que no te estanque en el asiento, sino que puedas luego de haberte metido en su viaje seguir tu propio viaje sin el peso de algo por acabar.
Pienso también que en el nacimiento de este álbum Libro de cabecera, en tardes de café tuvo mucho que ver la decisión de crear Yusa Records, pues desde el momento que decidí tomar totalmente las riendas de mi carrera pensé que debía homenajear y dar gracias al arte y sus creadores por darme tanta vida dentro de su mundo.
Todas estas canciones son como libros a los que siempre recurro de alguna manera, aunque la mayoría de ellos no los volví a leer. Sé que están en mis palabras, en mis actos, en el sonido que invoco para salir y entrar de mí. Estas canciones son lo que quiero decir y hacer ahora. Ni más ni menos.
Frecuentas regularmente países como Argentina y Brasil. ¿Cómo ha sido la acogida de tu música en estos lugares?
Y: Si te dijera que nunca antes pensé en visitar estos países, no me lo creerías. Yo no tenía idea de qué estaba pasando por estos países hasta que fui a Brasil, por primera vez en el año 2004, al que fui invitada por el cantautor Lenine. Allí me encontré con una América del Sur y su historia que había quedado en los libros de la escuela. Solo que esta vez todo eso había crecido sin yo haberme dado cuenta. Sentí por primera vez la fuerza de un público agitador y convencido de su rol de hacerte sentir en casa. Nunca antes me había sucedido algo así.
Comencé a viajar a Argentina en el año 2008 y no olvidaré esa sensación de que el público sabía qué era lo que vería mientras yo no podía comprender de dónde había salido tanta gente que conocían mis canciones sin haber discos ni haber estado yo antes en ese país. Fue bastante raro, te soy sincera; y creo que todos se dieron cuenta de que yo no entendía nada. Esa fue mi entrada a Argentina, ante un público que sabe ser fiel y que crece cada vez más cuando decide amarte. Esa pasión, como la que te hace levantar de golpe y gritar cuando das un jonrón o metes un gol no la viví en ningún otro lugar del mundo. Creo que esa manera osada y a veces extraña de amar me atrajo como imán a estos países que amo y en donde, en el caso de Argentina, tengo también mi casa. Ellos son los responsables, mi corazón es uno solo y me ha sido imposible resistirme.
Tu sólida carrera profesional te ha dado la oportunidad de compartir con una gama impresionante de músicos y productores de diversas latitudes, como Lenine, Jorge Drexler, Ramiro Musotto, Omara Portuondo, Santiago Feliú, Pavel Urquiza, Descemer Bueno y Robertico Carcassés, entre muchísimos otros. Podrías comentarme sobre el significado de estas colaboraciones en tu carrera musical.
Y: Siempre digo que me considero muy afortunada pues todo ha conspirado a mi favor para que estos encuentros sucedieran. Ese estar en el momento justo es algo que todavía no logro comprender, al mismo tiempo de que me doy cuenta de que no es casual que sucedan pues tienen que ver con las cosas que uno elije en ciertos momentos de la vida. Imagínate lo que es cuando admiras a un artista de niña y la sigues pues quieres aprender todo de ella y luego al pasar el tiempo esa persona sin tú saberlo sabe que existes y aún más que eso, te respeta. ¡Qué más se puede pedir! Lo mejor de todo esto es que la mayoría de estas personas son amigos muy cercanos y con los que he vivido historias y momentos para recordar toda la vida. Son parte de mis canciones y con ellos he estado haciendo un recorrido maravilloso por la música. El eterno aprendizaje del viaje de la vida a través de la música.
Luego de haber estado viviendo de forma itinerante entre varias ciudades del mundo, podrías brindarme tu percepción sobre la recepción de la música alternativa cubana en el mercado internacional.
Y: He pasado por diversas experiencias cuando he viajado. Primeramente, cuando viajaba con el grupo de música tradicional “Soneras Son” los conciertos estaban destinados a un público básicamente bailador. Para el año 1993 la salsa había tomado mucha fuerza en sentido general en el mundo y las agrupaciones cubanas viajaban mucho a Europa, Asia y Estados Unidos, lo cual provocó un empuje de afuera para adentro de la Isla. Luego, cuando empecé a girar con mi proyecto, era un poco diferente pero quedaba la huella del ambiente de la música tradicional sobre todo al hacerse mundialmente conocido el proyecto Buena Vista Social Club, donde para mí hubo una especie estancamiento en lo que respecta a la música actual, pues al mismo tiempo que sentía que el público estaba predispuesto a favor para todo lo relacionado con Cuba, se generaba un desencuentro con la nueva música que estaba emergiendo en la Isla, donde comenzaban a convivir diferentes tendencias musicales que representaban el sonido de la Cuba de esos tiempos, con sus nuevos contextos sociales, lo cuales darían como resultados nuevas maneras de asumir la música. Pero de todas maneras, aunque costaba un poco penetrar esos mercados, siempre encontré que había un público que quería conocer que estaba sucediendo en la Isla más allá de la zaga del BSC. En ese momento se abrían puertas hacia una nueva manera de escuchar y conocer la diversidad que siempre caracterizó a la música cubana. Es algo que todavía cuesta pero en nosotros está la responsabilidad de seguir el legado de nuestros predecesores, y como ellos hacer la música de nuestro tiempo que tiene tanto de ayer como de hoy para poder ser mañana.
¿Cómo ves los espacios de creación femenina actualmente, ya sea desde el ámbito cubano o más general?
Y: En estos momentos hay un auge muy grande de mujeres creadoras en el mundo. Hay cada vez más una necesidad de aportar y ser parte del desarrollo cultural del país. He podido ver cómo han crecido los proyectos sociales y culturales en los diferentes países que he visitado en estos años, sobre todo hay un crecimiento muy importante en Latinoamérica; a cada paso que doy me encuentro mujeres que han ido evolucionando mucho dentro de sus sociedades y puedo notar que cada vez más el rol de la mujer en la creación y desarrollo de las naciones es notablemente mayor aunque aún quede mucho prejuicio por saldar. Como dijera el poeta “ se hace camino al andar” y caminando anda la mujer sembrando semillas para un mejor futuro.
Eres una de las miembros fundadoras del grupo Interactivo. ¿Qué experiencias puedes compartir de esa etapa de tu vida profesional? En tu opinión, ¿que representa Interactivo dentro del panorama de la música cubana actual?
Y: Cuando se estaba fundando Interactivo recuerdo esa locura que todos teníamos con nosotros mismos pues al menos yo, y creo que los demás miembros también, sentíamos que estábamos creando y aportando un nuevo sonido a lo que ya existía dentro de la música cubana de ese momento. Creo que lo maravilloso fue que a Roberto Carcassés, director de Interactivo, se le ocurriera juntar todas esas individualidades para fundirlas en una sola. Éramos como los mosqueteros; o sea, el pretexto perfecto para estar juntos todos. De hecho, todo el repertorio del comienzo fue el resultado de ese grupo taller donde las ideas, todas, importaban lo mismo. No podría ser muy objetiva pues he estado dentro de ese proyecto desde su creación pero y de hecho puedo decir que hemos sido una linda familia que ha ido creciendo, así que viéndolo desde afuera, yo siento que ya Interactivo es parte de la historia de la cultura cubana. Ya el tiempo dirá, mientras tanto hay que seguir pues la vida continúa y nosotros con ella. Es lindo que haya existido Interactivo. Se amó y se amó. Llegó la musa, el tambor, la intención y por supuesto, otra canción.
Cualquier otra cosa que quieras agregar.
Y: Es una suerte de vida el estar entre tanta gente y lugares que uno ama. Solo hay que saber en cada momento que uno está siendo parte de todos los procesos de desarrollo y no olvidarse de que todos contamos con un pensamiento libre más allá de sus aciertos y desaciertos. Hay que saltar la palabra, y limpiar un poco el polvo del camino, sino estaremos dando vueltas sin sentido y nunca sabremos a dónde vamos. Es importante, imprescindible, respetar la libertad de los hombres (y las mujeres), agradecer y, sobre todo, amar.
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